Como es constumbre desde hace 33 años este ocutbre se realiza en Guanajuato el Festival Internacional Cervantino uno de los más importantes en Latinoamerica en  el campo de las artes visuales y escénicas.

http://www.festivalcervantino.gob.mx

[youtube]v=Px1rK-4GEFM[/youtube]

Festival de Teatro y Danza

En el festival de Huesca (España) la innovación escénica es una de las claves creativas; acá algunas imágenes de la Feria de la Creación Escénica Contemporánea 2009

Feria de la Creación Escénica Contemporánea

Más en: Feria de Teatro y Danza

Merci, Dangon por el Feed..

cutandpaint.org

La práctica de estampación es una expresión histórica, que se origino junto al graffiti en las pinturas prehistóricas. Fue en la Primera y Segunda Guerra Mundial cuando los norteamericanos usaron esta técnica de pintura para identificar las cajas de armamento. Y es ha mediados del siglo XX, cuando surge el stencil en su forma autentica. Los movimientos fascistas italianos utilizan el stencil con fines exclusivamente propagandísticos, lo hacen también organizaciones mexicanas y españolas. Pero es a fines del XX, cuando el stencil empieza a conseguir seguidores y practicarse masivamente.

Fenómeno callejero

Es atractivo contemplar el fenómeno que acontece al observar un stencil en un centro urbano, es una practica simple y clara, se define muchas veces como la anti-publicidad, su constitución es sencilla, terminante y utiliza las mismos técnicas que los medios de comunicación masivos, pero para expresar un discurso contradictorio, desconcertante y habitualmente crítico de los medios.

Movimiento cultural

Internacionalmente en torno al stencil se ha desarrollado un movimiento cultural, que ha elaborado películas, documentales, etc. que se han transformado en una imagen del stencil.

Vale aclarar que el stencil es de la calle, al igual que el graffiti. Los dos buscan ser observados por los caminantes y que los cuestione su propio movimiento.

Enlaces:

Resistencia Visual

Stencil Revolution

Just Seeds

Ideas in pictures

Street Art Workers

Voices from outside

Cut and Paint

Via Blesok Tadashi Suzuki describe su investigación para el metodo de entrenamiento y la prevalencia del cuerpo en la práctica del teatro:  “En mi método de formación de actores, se hace especial hincapié en los pies, porque creo que la conciencia de la comunicación del cuerpo con el suelo conduce a una gran toma de conciencia de todas  las convergencias físicas del cuerpo.”

Blesok no. 29, noviembre-diciembre, 2002

LA CULTURA ES EL CUERPO

El principal objetivo de mi método consiste en descubrir y traer a la superficialidad física la sensibilidad perceptiva que hay en los actores, antes de que adquieran la codificación de los diferentes estilos teatro, para que puedan aumentar así su innata capacidad expresiva.
Empecé a pensar en el método cuando estaba buscando la manera de examinar las diferencias existentes en la percepción física de las personas, como las que encontrados cuando los actores están quietos en el escenario, o cuando tienen un impulso o realizan alguna acción. Quería integrar estas diferencias en algo que los seres humanos pudieran compartir como una propiedad común, más allá de todas las diferencias de raza y nacionalidad.
En primer lugar sentí la necesidad de inspeccionar la orientación humana, es decir la sensación o la sensibilidad nuestra hacia la tierra o hacia el suelo- concretamente sobre la atracción que siente la mitad inferior del cuerpo hacia la tierra. De allí extraje algunas formas básicas de cómo usar el cuerpo para percibir los matices  de diversos  sentimientos, luego organice la formulación de mi método.
Técnicamente hablando, mi método consiste en la formación para aprender a hablar fuerte y claro con las articulaciones, y también para aprender a hacer uso de la palabra en todo el cuerpo, incluso cuando se guarda silencio. Es por esto que los actores aprenden la mejor forma de existir en el escenario. Mediante la aplicación de este método, quiero hacer posible que los actores desarrollen su capacidad de expresión física y también que nutran tenazmente su concentración.

En resumen, esta formación es, por así decirlo, la “gramática” necesaria para materializar el teatro que está en la mente. Sin embargo, es deseable que esta “gramática” sea asimilada por el cuerpo como un segundo instinto; como cuando se sostiene una conversación amena, se disfruta mientras se esta consciente de la gramática que se utiliza al hablar.
Estas técnicas se pueden dominar, estudiado, hasta lograr que sirvan como una “hipótesis operativa”, es decir hasta que los actores sientan en el escenario una verdad “ficticia”.
Para que los actores construyan las imágenes que ellos mismos persiguen, tendrán que desarrollar, por lo menos, esta sensibilidad física básica.
* * * * * *

En mi opinión, una “cultura” existe donde las capacidades perceptivas y expresivas del cuerpo humano se utilizan a plenitud, donde estas proveen los medios básicos para la comunicación. Un país civilizado no es siempre una “culta” sociedad.
La civilización se originó por la relación con las funciones del cuerpo humano, ya que puede ser interpretada como la ampliación de las funciones básicas del cuerpo humano o la ampliación de las facultades físicas de los ojos, las orejas, la lengua, las manos y los pies .
Por ejemplo, la invención de dispositivos tales como el telescopio y microscopio es el resultado de la aspiración humana y el esfuerzo para ver más, de radicalizar la facultad de la vista. El efecto acumulado de tales esfuerzos es la civilización-el producto de la expansión y ampliación de facultades físicas.
Lo que tenemos que considerar, entonces, es el tipo de energía necesaria para materializar tales aspiraciones que nos lleva a pensar en la modernización.
A criterio de algunos sociólogos en Estados Unidos lo que aplicarán para distinguir entre la pre-modernidad y la modernidad de las sociedades es la proporción de energía animal y la energía no-animal que utiliza.
La energía animal en este caso se refiere a la energía física suministrada por los seres humanos, los caballos o ganado, etc., mientras que la no-animal se refiere a la energía eléctrica, la energía nuclear y similares.
Una manera de mostrar si un país se moderniza es calcular la cantidad de energía no-animal que utiliza. En términos generales, en África y países de Oriente próximo, por ejemplo, la proporción de energía animal utilizada es muy alta, en comparación con países como Estados Unidos o Japón, donde la energía derivada del petróleo, la electricidad, la energía nuclear se utiliza en todos los procesos de la producción.
Si aplicamos esta idea al teatro, nos damos cuenta que la mayoría del teatro contemporáneo esta “modernizado”, la energía no-animal se utiliza en su totalidad. La iluminación se realiza a través de la electricidad. Los ascensores y los escenarios rotatorios son operados por energía eléctrica. El edificio del teatro en sí es el producto final de una variedad de actividades industriales, desde la fundición del hormigón hasta el propio escenario.

Por el contrario, el superviviente teatro Noh japonés es un ejemplo de pre-teatro moderno en el que casi ninguna energía no-animal se utiliza.
Por ejemplo la música. En el teatro moderno, se registra y se reproduce a través de amplificadores y altavoces, mientras que en el Noh la voz del bailarín-actor, el coro y el sonido de los instrumentos que se  emplean en escena se transmite directamente a la audiencia. Los trajes y las máscaras de las obras de Noh son hechas a mano, y el escenario en sí está construido sobre la base de los principios tradicionales de la carpintería. Aunque la electricidad se utiliza para la iluminación en las obras de hoy en día (todavía hay oposición ya que desde los viejos tiempos el teatro se ha hecho con velas y cirios), se limita esta al mínimo; como no ocurre en la elaboración de la iluminación y del colorido del teatro “moderno”.
El teatro Noh esta invadido por el espíritu de crear algo desde la habilidad y el esfuerzo. Tanto es así que se puede decir que el Noh es el arquetipo del teatro pre-moderno!  Es una creación a partir  de energía animal.
Como el teatro, ya sea en Europa o en Japón, se ha mantenido a la altura de los tiempos y ha llegado a utilizar energía no-animal en todas las facetas de sus actividades, uno de los mayores males que lo aqueja es que las facultades del cuerpo humano y la sensibilidad física se han especializado tanto que han llegado a su punto de separación.
Así como en la civilización se ha especializado el trabajo de los ojos desde que se creó el microscopio, la modernización tiene “desmembradas” nuestras facultades físicas, nuestra misma esencia. Lo que estoy tratando de hacer es restablecer la integridad del cuerpo humano en el contexto teatral, no sólo para volver a las formas tradicionales como el teatro Noh y el Kabuki, sino también para emplear sus virtudes y singulares, para crear algo que trascienda la práctica actual del teatro moderno.
Tenemos que reunir las funciones físicas que fueron “desmembradas”, para recuperar la capacidad perceptiva y expresiva y las facultades del cuerpo humano. De este modo, podemos mantener la cultura dentro de la civilización.
En mi método de formación de actores, se hace especial hincapié en los pies, porque creo que la conciencia de la comunicación del cuerpo con el suelo conduce a una gran toma de conciencia de todas  las convergencias físicas del cuerpo.

Augusto Boal

Todas las sociedades humanas son espectaculares en lo cotidiano y producen espectáculos en momentos especiales. Son espectaculares como forma de organización social, espectáculos como este  que ustedes vienen a ver.
Lo mismo, aunque de modo inconsciente,  las relaciones humanas son estructuradas de forma teatral: la utilización del espacio, el lenguaje del cuerpo, la elección de las palabras y la modulación de la voz, la confrontación de ideas y pasiones, todo lo que hacemos en el escenario lo hacemos siempre en nuestras vidas: ¡nosotros somos teatro!

No solo las bodas y funerales son espectáculos, también lo son  los rituales cotidianos de los que, debido a su familiaridad,  no somos conscientes. No solo las grandes pompas, sino también el café de la mañana, los “buenos días” intercambiados, los amores tímidos y los grandes conflictos, una sesión parlamentaria o una reunión diplomática, todo es teatro.
Una de las principales funciones de nuestro arte es hacer llegar a nuestra consciencia los espectáculos de la vida cotidiana donde los actores son igualmente espectadores, donde  la escena es la platea, y la platea la escena.  Todos somos artistas: haciendo teatro aprendemos a ver aquello que salta a los ojos pero que somos incapaces de ver porque no estamos habituados a mirar. Lo que nos es familiar se vuelve invisible: hacer teatro, por el contrario, ilumina la escena de nuestra vida cotidiana.

Teatro del Oprimido

En septiembre del año pasado fuimos sorprendidos por una revelación teatral: nosotros que pensábamos vivir en un mundo seguro a pesar de las guerras, los genocidios, las hecatombes y las torturas que acontecían, si,   ciertas, pero alejadas de nosotros en países distantes y salvajes, vivíamos seguros con nuestro dinero guardado en un banco respetable o en las manos de un honesto corredor de bolsa, fuimos informados de que ese dinero no existía, que era virtual, ficción de mal gusto, triste creación de algunos economistas que ni eran virtuales, ni seguros ni respetables. Todo ello no era más que mal  teatro, como una comedia de enredo donde unos pocos ganaban mucho y unos muchos perdían todo.
Políticos de países ricos han mantenido reuniones secretas de las que han salido soluciones mágicas. Nosotros, víctimas de sus decisiones, seguimos siendo espectadores  sentados en la última fila del entresuelo.
Hace veinte años dirigí “Fedra” de Racine, en Río de Janeiro. El decorado era pobre; unas pieles de vaca en el suelo y unos bambúes alrededor. Antes de cada representación yo decía a mis actores: “Ahora acabó la ficción que hacemos día a día. Cuando crucen esos bambúes de la escena, ninguno de ustedes tendrá  derecho a mentir. El teatro es la Verdad Escondida”.
Cuando miramos más allá de las apariencias vemos opresores y oprimidos, en todas las sociedades, etnias, clases y castas, vemos un mundo injusto y cruel. Tenemos la obligación de inventar otro mundo porque sabemos que otro mundo es posible. Pero nos corresponde construirlo con nuestras manos entrando en escena, en el escenario y en la vida.
Asistan al espectáculo que va a comenzar; después, en sus casas con sus amigos, interpreten sus propias piezas y vean aquello que jamás han podido ver: aquello que salta a los ojos. ¡El teatro no es solo un acontecimiento, es un modo de vida!
Actores somos todos nosotros, y ciudadano no es aquel que vive en sociedad,  sino aquel que la transforma.

Podcast: Mensaje en Portugues

Link: International Theatre of the Oppressed Organisation

Función del Sagaz Manuelucho

Como siempre me hace falta leer, buscando sobre teatrinos que es algo próximo,  encontre este boletín de “lablaa” que me despejo dudas y me dio un contexto sobre la historia de los títeres en este país, acá conocí a “Manuelucho” y a “Faustino Rimales” y más sobre el trabajo de Enrique Vargas..

Boletín Cultural y Bibliográfico, Número 12.

Varias asociaciones argentinas, cansadas del mercado negro de las copias ilegales, se unieron para luchar por su cuenta.
Durante un acto celebrado en el cine Monumental, los representantes de las principales instituciones del cine y video argentino firmaron un acuerdo por el cual dieron origen a la Unión Argentina Contra La Piratería (UA©Pi), que tiene como objetivo combatir el delito de la piratería “cuyo nivel de crecimiento está llegando a cifras alarmantes, afectando a la cultura y a la economía del país”, explicaron.

Durante el acto, los integrantes de UA©Pi manifestaron su preocupación acerca de cómo el fraude y la piratería a los derechos de propiedad intelectual constituyen un delito que se ha convertido en un indeseable delito con repercusiones muy graves en el ámbito económico y social, que pone en riesgo a todas las Industrias Culturales del país.

“Esta industria debe enfrentar a diario la competencia desleal de una actividad ilícita que trabaja íntegramente en negro, utiliza material virgen importando consumiendo divisas que podrían destinarse a usos mucho más productivos (más de 60 millones de pesos en 2007), no paga los impuestos generales ni los específicos, mucho menos los impuestos al trabajo, hace uso y abuso de espacios públicos” manifestó Aldo Fernández, miembro de UA©Pi.

Por su parte, el Comandante Principal de la Gendarmería Nacional, Carlos Enrique Driollet, realizó una presentación donde expuso las redes delictivas que existen detrás de la piratería de música y películas y del poder económico que tienen.

“Es hora que las autoridades reaccionen y actúen haciendo cumplir la ley. Eso es lo que estamos haciendo y les pedimos que actúen antes que sea demasiado tarde. La identidad de un país se forja a través de su cultura y el cine es una de las expresiones culturales más masivas que llega por medio de los distintos canales de exhibición a la mayor parte de la población, nuestra misión es defender estas actividades protegiendo el trabajo lícito y el patrimonio cultural”, finalizó Fernández.

En el acto de inauguración estuvieron el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), representada por su Presidenta, Liliana Mazure, la Unión Argentina de Videoeditores (UAV), la Cámara Argentina de Videoclubes (CAVIC), la Cámara Argentina de Exhibidores Multipantallas (CAEM), la Federación Argentina de Exhibidores Cinematográficos (FADEC) y Distribuidores de Cine de la Argentina, representados por el Presidente de Distribution Company, Bernardo Zupnik.

Los objetivos quedaron muy claros desde el comienzo:
-Instar a las autoridades nacionales, provinciales y municipales a la aplicación de la normativa vigente y fortalecer la competencia de los funcionarios encargados de la observancia y cumplimiento de la ley.

-Luchar en forma mancomunada en la defensa de los derechos de propiedad intelectual y en contra la piratería, a través de una gestión proactiva y sostenida en el tiempo.

-Informar y concientizar a la sociedad y a la opinión pública sobre la gravedad del problema y de la necesidad de derrotar la red delictiva que promueve la piratería.

-Promover el compromiso de los funcionarios públicos en la defensa de los derechos de propiedad intelectual y en el combate y erradicación de la piratería.

Fuente

La Estética Dialógica como desafío estético, poético y político

Algunas reflexiones respecto del impacto de las nuevas tecnologías en la puesta en escena teatral desde mediados de los ‘90. Década en la que la puesta en escena muncial se vio atravesada por el desarrollo de estas nuevas tecnologías.

INTRODUCCIÓN

El marco en que se inscribe este trabajo.
Generalidades acerca de la integración de nuevas tecnologías en la escena teatral

• La teatralidad emergente de las transformaciones operadas por las nuevas tecnologías en la puesta en escena.
• Nuevos modos de concebir, percibir y hacer ‘ el mundo’ y el ‘ teatro’
  - La electrónica sonora y el pensamiento en imágenes Una ‘otra’ experiencia kinestésica.
  - La subpartitura como espacio y tiempo de diálogo.

• De la interfaz a la puesta en escena
  ¿Qué transferir de la lógica de la interfaz a la puesta en escena?

• La Estética dialógica como praxis política
  - A manera de provisoria conclusión.

Sobre la Autora: (Becaria Agencia Córdoba-Ciencia. Docente Facultad de Psicología. Investigadora del área de Artes del CIFyH)

Articulo completo: http://www.liminar.com.ar/jornadas04/ponencias/cotaimich.pdf

Obra: 2191 nuits

Compañía de teatro Deux Mondes

El cineasta británico Peter Greenaway ha creado un juego de luces, acompañado de música, que se proyecta brevemente sobre La última cena, de Leonardo da Vinci, y muestra detalles del cuadro que suelen pasar inadvertidos para quienes lo contemplan en el convento milanés de Santa María delle Grazie.

La ultima cena de Leonardo Da Vinci

El cineasta expresó su emoción por la oportunidad de “crear un diálogo” con una obra que calificó de “icono increíble de la civilización occidental” y anunció su intención de desarrollar proyectos similares con otras pinturas que posean “alto valor cinematográfico”.

El objetivo inmediato podía ser “Las bodas de Caná”, de Veronés, que se conserva en Venecia.

Fuente

TECNOESCENA 08, UN CICLO PARA APRECIAR NUEVOS LENGUAJES

Argentina. B.S

Desde el 30 de Octubre y hasta el 15 de noviembre, el Festival Internacional de Teatro, Arte y Tecnología tomará el Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires para mostrar propuestas argentinas y extranjeras que dan prueba del fértil cruce entre teatro y nuevas herramientas.

“La tecnología está para ser utilizada y no posee otra finalidad que la de ser una herramienta al servicio nuestro”

Juan Carlos Zagal

Este espectáculo que fusiona teatro y cine anticipaba en septiembre otra edición del Festival Internacional de Teatro, Arte y Tecnología -Tecnoescena 08– . “Sin sangre“, de la  compañía chilena Teatrocinema que dirige Juan Carlos Zagal.

De esta exploración de los distintos discursos que surgen de cada una de las disciplinas en juego (yuxtaponiendo o integrando elementos) y de la búsqueda de relación con un público que se desea activo participan artistas locales, de provincias, y extranjeros llegados de Chile, México, Colombia, Perú y España. “La tecnología está para ser utilizada y no posee otra finalidad que la de ser una herramienta al servicio nuestro”, apuntaba Zagal a este diario cuando estrenó Sin sangre en otro espacio (el Complejo Cultural de Cine y Teatro 25 de Mayo). En su opinión, la historia que se quiere contar es, finalmente, “la que demanda el uso de múltiples lenguajes narrativos asociados y equilibrados entre sí”. En el caso del artista chileno se trató de experimentar con recursos del cine, tales como el close up, el flashback y el travelling.
Entre los convocados a opinar y aportar conocimientos sobre tecnoescena se encuentran la actriz y directora Ana Alvarado; el autor, actor y director Rafael Spregelburd; el actor y director Alejandro Catalán (intérprete en El pecado que no se puede nombrar y Cercano Oriente); Luis González Bruno, autor, director y músico de piezas interdisciplinarias como La voz que guarda el silencio; Rodrigo Alonso, profesor y especialista en arte contemporáneo y nuevos medios; y Alejandro Casavalle, actor, director y gestor artístico. A ellos se suman los integrantes del grupo Biopus, de La Plata, compositores y artistas multimedia, creadores de Tango virus (homenaje a Astor Piazzolla), presentado en Tecnoescena 05. En la edición de este año –dirigida por Javier Acuña, actor y especialista en informática, y coordinada en el área técnica por Gabriel Caputo, escenógrafo, iluminador y productor– se evaluará Visible, fragmentos de la experiencia de un joven que chatea y maneja elementos informáticos de uso cotidiano (hoy y el sábado 1º de noviembre, a las 21.30; mañana y el domingo 2, a las 19); Fedra Prozac (hoy y el sábado a las 19; mañana y el domingo a las 21.30) y La noche de los extraviados, de Córdoba (el 6 y 8 a las 19 y el viernes 7 y domingo 9 a las 21.30). Los organizadores destacan como novedosa a Código BA, improvisación de dos grupos de teatro (de Buenos Aires y Barcelona) conectados entre sí a través de Internet.
Habrá performances en todas las fechas, pero con variaciones respecto de su contenido, forma y duración. Estas y otras actividades se ofrecen con entrada gratuita, a diferencia de los espectáculos a los que se accede abonando 25 o 35 pesos (Mitosis, de España). Entre las performances se anuncia Speak 2.0 “Didme” (work in progress) y Presentación Residua (instalación interactiva). Los títulos extranjeros provienen de Perú (país que participa en Viene Nieve (los días 6, 7, 8 y 9 a las 20.30), Colombia (La Pataformosis, jueves 6 y sábado 8 a las 21.30 y viernes 7 y domingo 9 a las 19), España (Proyecto Mitosis, los días 13 y 14 a las 22; sábado 15 a las 18) y México (In Vitro, jueves 13 y viernes 14, a las 21, y el sábado 15 a las 20). El cierre es para El Fin del Espacio (Buenos Aires), que se ofrecerá a las 23 después de haber realizado funciones el martes 11 y el miércoles 12, a las 20.30. La totalidad de los trabajos serán transmitidos en vivo por Internet a través de www.tecnoescena.com. Creado por Alternativa Teatral (pionera en 2005), el festival se realiza en el marco del ciclo “Arnet. Cultura para todos”, con apoyo de Iberescena y auspicio de organismos y entidades de los países que intervienen.

Tomado de RTC No. 34 Por Hilda Cabrera. Página 12. 30 de octubre de 2008

]]> http://trasescena.wordpress.com/2008/11/06/mas-alla-del-simple-escenario/feed/ 0 Gabriel Andrés